Catégorie : Théâtre

Je ne suis plus inquiet

Scali Delpeyrat, Je ne suis plus inquiet, Actes Sud, 2020

— Par Marie-Hélène Moreau

C’est un petit livre délicieux que je vous invite à découvrir ici. Petit car il ne comporte qu’une soixantaine de pages, délicieux car il réalise la prouesse, néanmoins, de susciter chez le lecteur le rire, l’émotion, l’étonnement, mais aussi la réflexion. 

Le livre se présente comme une succession de saynètes apparemment sans lien les unes avec les autres. On y parle de chat, de salle d’attente, de métro, mais également de ligne de démarcation, de fuite et de survie. On y parle de famille, d’amour et de chanson, on y parle d’un père, si loin, si proche. Bref, on y parle de plein de choses et cela, dans un agréable désordre. C’est poétique et drôle, un peu barré parfois, émouvant souvent et toujours délicat. C’est la vie de l’auteur, dessinée par petites touches pudiques, si bien écrites, si bien dites si l’on a la chance de voir le spectacle. Il y dévoile ses craintes et ses phobies, y partage des souvenirs de famille, émotions retenues. C’est la vie, quoi…

Écrit par un acteur à la filmographie aussi fournie que diverse, présenté en quatrième de couverture par Denis Podalydès, il est en fait le texte d’un seul-en-scène actuellement à l’affiche et joué par l’auteur. Ceci explique sans doute son apparence d’OVNI littéraire, ce qui ne l’a pas empêché de rencontrer un très joli succès.

Un moment de lecture absolument magique.

Catégorie : Littérature française ; Théâtre.

Lien : chez l’éditeur ; Delpeyrat au Théâtre de la Ville (Paris) jusqu’au 4 décembre.

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Molière

— Par Catherine Chahnazarian

Georges Forestier, Molière, Gallimard, 2018

Il en parle mieux lui-même, mais je tenais à vous présenter cette biographie passionnante et précieuse.

Passionnante parce qu’en racontant la vie de Molière et la chronologie de sa production théâtrale, Forestier nous plonge bien sûr dans l’époque, la vie d’artiste sous Louis XIV ; il nous plonge aussi dans une carrière, qui se construit sous nos yeux entre amis et concurrents, soutiens et difficultés ; il nous fait voir ce génie s’épanouir, innover, oser, connaître la gloire, et mourir bêtement « d’une infection pulmonaire qui a emporté des centaines d’autres Parisiens en février 1673 ».

Précieuse car Georges Forestier, historien, professeur à la Sorbonne, raconte Molière d’après des bases solides, en s’appuyant sur tout sauf les légendes et en jetant aux orties les mythes propagés par Grimarest, son premier « biographe » — comme on ne disait pas à l’époque (1705). Ce qui fait de ce Molière-ci une référence pour ceux qui s’intéressent à l’auteur et au comédien, ou au théâtre du XVIIe siècle, pour les enseignants qui voudraient ne pas dire de bêtises à leurs élèves, et pour tous ceux qui préfèrent les vérités aux mythes.

Il en parle mieux lui-même dans cet entretien (42’54), une sorte de cours sans façon, vivant et captivant, érudit et facile à suivre, dans lequel, après s’être présenté, il raconte au débotté, en expliquant sa démarche, un tas de choses sur Molière, sur L’École des Femmes et Tartuffe (notamment), comment on peut raisonner sur son oeuvre, le fonctionnement des théâtres à l’époque…

Génial.

Dans un tout autre genre, j’en profite pour signaler :

Francis Huster, Dictionnaire amoureux de Molière, Plon, 2021

Dans ce patchwork d’analyses, de récits, d’explications, de ressentis, et de savoirs transmis de génération en génération de comédiens, le plus intéressant est ce regard d’homme de scène qu’a Francis Huster sur Molière. De ce point de vue, cet ouvrage complète l’apport de Georges Forestier. On peut regretter la dédicace à l’élite du théâtre français, comme si les petites troupes et les amateurs n’étaient que comédiens de pacotille indignes du grand homme, et la forme stéréotypée et commerciale du « dictionnaire amoureux ». Mais il faut reconnaître à Francis Huster une connaissance profonde des pièces de Molière du point de vue de la scène, de l’incarnation, du jeu et des ficelles.

Catégories : Essais, Histoire… ; Théâtre.

Liens : le Forestier chez son éditeur ; le Dictionnaire amoureux chez le sien.

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Du théâtre pour la rentrée : Foi amour espérance

Odon von Horváth, Foi amour espérance, éd° de l’Arche, 2014

— Par Jacques Dupont

Au lever du rideau, Élisabeth tente de vendre son corps à l’institut d’anatomie de Munich. Les 150 marks qu’elle demande à titre d’arrhes sur sa propre disparation, il les lui faut au plus vite : une amende lui a été infligée pour non présentation de sa carte de VRP, alors qu’elle vendait en rue des gaines et des soutiens-gorges. Il lui faut ou payer l’amende, ou purger une peine de prison – qui lui interdirait à jamais d’exercer et ferait d’elle une paria. L’institut d’anatomie, bien sûr, décline la proposition d’Élisabeth, mais son préposé – sensible au mensonge d’Élisabeth (que je vous laisse la joie de découvrir) lui avance à titre personnel cette somme, et comprend peu après qu’il a été dupé. Prise la main dans le sac, Élisabeth se lance alors dans une course effrénée pour trouver des solutions… Toutes les portes s’entrouvrent, mais un vent mauvais les lui reclaque au nez. La foi, l’espérance qui ont accompagné Élisabeth tout au long du récit cèdent finalement le pas au désespoir.

« Un petit délit entraîne une jeune femme courageuse et pleine de foi dans une série de mésaventures qui la jetteront dans le désespoir ». Raconté ainsi, on pense à un mélo misérabiliste, à une chanson « réaliste » de l’entre-deux-guerres. Et de fait, l’histoire d’Élisabeth s’inspire d’une histoire vraie, qui a été rapportée à von Horváth par Lukas Kritl, chroniqueur judiciaire munichois. La pièce s’appelait originairement « Une petite danse de la mort », et s’inscrivait dans un projet plus vaste : instruire le procès de la justice allemande en l’envisageant par le petit bout de la lorgnette.

Or ce drame est traité comme une comédie. Car, dit l’auteur, « la comédie est capable de montrer la bestialité à l’état pur dans sa nudité. La destinée qu’on vit individuellement est toujours de la comédie, même quand elle chausse les cothurnes de la tragédie. »

À part Élisabeth, les personnages de Foi amour espérance ne parlent pas, ils jacassent. À la manière de visages d’Otto Dix et des expressionnistes allemands, qui grimacent, en se donnant l’air de sourire.

« Ça va encore empirer, mais je ne lâche pas pied » serait en quelque sorte le leitmotiv de la pièce, une idée très … austro-hongroise.

Il faudrait ne pas oublier que von Horváth est, à l’instar de Musil ou de Kafka, un pur produit de la crépusculaire Mittel Europa :  né hongrois, d’ascendance croate, dans l’aile italophone de l’Empire, et d’expression allemande. On ne peut, avec un tel pedigree, imaginer d’auteur engagé.  Au contraire de ceux de Brecht, dont il est le contemporain, les personnages de von Horváth n’ont aucune conscience politique. Il s’agit chez lui de montrer, et de montrer de face, de profil, d’en haut et d’en bas, de montrer l’humain sous toutes ses coutures, de faire en sorte que les spectateurs s’y reconnaissent eux-mêmes.

Catégorie : Théâtre. Traduction de l’allemand : Hélène Mauler et René Zahnd.

Liens : chez l’éditeur ; éditeur qui propose plusieurs pièces de von Horváth en volumes séparés ainsi que six compilations sous le titre « Théâtre complet ».

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Du théâtre pour la rentrée : Il pleut dans ma maison

Affiche de la première distribution

Paul Willems, Il pleut dans ma maison, Les cahiers du Rideau de Bruxelles, 1962 (disponible aux éd° AML)

— Par Catherine Chahnazarian

Pendant cinquante ans, ceux qui étaient supposés s’occuper de la maison de la vieille Madeleine ont laissé la nature y reprendre ses droits. Pas par écologie, non, l’époque n’en était pas encore là, mais par pure poésie. Une poésie extrême puisque Bulle et Germaine ont laissé pousser un arbre dans le salon, dont les branches ont brisé les vitres et troué le toit, si bien que, lorsqu’il pleut…

La jeune Madeleine hérite de sa tante et veut vendre la maison. Mais les habitants ne l’entendent pas de cette oreille. Toune veut sauver l’herbe. Et Germaine a un plan (elle a toujours un plan). Bulle a des mots pour dire les choses : « Quelles pommes de terre ! Bouillies dans l’eau d’ici, elles sont légères comme une neige de mars, avec quelques grains de gros sel et du lard tout croquant… croquant. Je ne dis pas mou, ni dur, ni tendre, je dis croquant-qui-aime-à-être-croqué ». Il y a un fantôme, aussi, bien qu’il réfute cette appellation : « Les fantômes sont toujours froissés. Par exemple, après avoir été pliés en six pendant cinquante ans, sous forme d’une lettre d’amour jaunie. Est-ce que j’ai l’air froissé, moi ? Est-ce que j’ai l’air d’une lettre d’amour jaunie ? » Enfin, tout un monde absurde et poétique s’empare de votre raison et vous donne envie, à vous aussi, de sauver la maison et d’oser l’imaginaire.

Touchante et drôle, vaudevillesque et décalée, cette pièce — juste un peu datée — ravira les âmes sensibles.

Catégorie : Théâtre.

Liens : le texte aux éditions AML (commande en ligne).

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Du théâtre pour la rentrée : Pierrette Dupoyet

Pierrette Dupoyet : auteure, comédienne, dramaturge, metteuse en scène

— Par Anne-Marie Debarbieux

À 71 ans, elle l’affirme avec conviction : « Le théâtre ne peut être remplacé par rien ».

Les pièces présentées cette année au festival d’Avignon dont elle est depuis plus de 30 ans une figure incontournable du Off, parlent d’elles-mêmes : « Acquittez-la », qui évoque les violences faites aux femmes, et « Léonard de Vinci, l’éternité d’un génie », illustrent parfaitement les deux terrains d’élection de cette artiste engagée, indépendante et atypique : d’une part la dénonciation de toutes les formes d’injustices et d’atteintes à la dignité humaine, et d’autre part les personnages d’exception, écrivains souvent (Rimbaud, Vian, Sand, Camus) mais aussi artistes (Joséphine Baker), scientifiques (Marie Curie), voire politiques (Jaurès, Dreyfus), qui incarnent la lutte pour la justice et la résistance à toutes les formes d’intolérance, de répression ou d’obscurantisme. Qu’elle évoque Hugo dont les héros sont souvent des parias ou Soeur Emmanuelle luttant aux côtés des chiffonniers du Caire, Pierrette n’a qu’un combat : défendre la dignité humaine, et une seule arme : la puissance d’évocation du théâtre.

Auteure de ses textes, elle les met en scène et les interprète toujours en solo, captant son public tant par la force des mots que par une présence saisissante.

Souvent programmée à Paris au théâtre de la Contrescarpe, elle parcourt aussi la France et le monde. « Globe-trotteuse » du théâtre, elle se rend là où sa voix peut avoir un écho.

L’un de ses spectacles m’a beaucoup marquée. Il s’agit de « L’orchestre en sursis », une pièce saluée par Simone Weil et Elie Wiesel : elle y incarne Famia, pianiste et chanteuse, l’une des femmes contraintes, dans l’enfer d’Auschwitz, d’interpréter la musique de Schubert ou Beethoven pour satisfaire un auditoire de nazis incarnant la négation absolue de l’humain. Et Pierrette, soucieuse de l’universalité de la leçon à tirer de cette page d’Histoire, de conclure : « Ce n’étaient pas des Allemands, c’étaient des hommes ! »

Dans un tout autre genre, j’ai beaucoup aimé « Bal chez Balzac » : on y voit la gouvernante de l’écrivain, navrée de voir la morosité du grand homme éconduit par la comtesse Hanska, inviter des personnages de la Comédie Humaine à venir dîner pour réconforter leur créateur. Texte insolite, drôle, émouvant, qui rejoint à la fois les spectateurs familiers de Balzac et ceux qui découvrent l’écrivain par le biais de ses personnages emblématiques.

Engagés ou littéraires, tous les spectacles de Pierrette trouvent un écho dans le monde contemporain.

— Notez que « L’orchestre en sursis » et « Bal chez Balzac » sont des spectacles mais ont également fait l’objet de publications. Ce sont donc des livres !

Catégorie : Théâtre, Hommages.

Liens : le site personnel de Pierrette Dupoyet ; l’adresse où lui commander des livres : pdupoyet@wanadoo.fr ; un article dans La Terrasse sur Avignon 2021.

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Du théâtre pour la rentrée : La guerre de Troie n’aura pas lieu

Jean Giraudoux, La guerre de Troie n’aura pas lieu, 1935 (disponible chez Flammarion)

— Par Brigitte Niquet

Voici un spectacle qui a fait des incursions récurrentes dans ma vie (notamment quand j’ai eu le plaisir, il y a quelques années, d’interpréter Hécube, la reine-mère) et je ne l’ai pas toujours considéré sous le même angle, sa richesse permettant bien des approches. Limitons-nous à l’essentiel, son thème, dont les échos ne cessent de résonner dans le monde actuel : sans se priver de gaudriole et de moments comiques quasi moliéresques, l’auteur a voulu faire de son œuvre un brûlot anti-guerre, évoquant clairement la menace qui pesait alors sur les relations franco-allemandes, de plus en plus tendues. Jean Giraudoux, sous prétexte de raconter la guerre de Troie (sujet de L’Iliade), garde toujours en ligne de mire la future Seconde Guerre mondiale, comme s’il voulait donner un avertissement déguisé, bien qu’il soit sans illusions. Théâtre engagé, donc, mais jamais ennuyeux. En homme de théâtre accompli, Giraudoux n’oublie jamais de pimenter son récit dramatique de scènes grand-guignolesques — en particulier lorsque se manifeste l’inénarrable Demokos, un pitre, véritable caricature. C’est lui, dont le bellicisme n’a d’égal que la bêtise, qui déclenchera finalement la guerre. Grecs contre Troyens, Allemands contre Français, peu importe la nationalité, peu importe l’époque, les hommes ne savent pas vivre en paix et, dans la pièce comme dans la réalité quelques années plus tard, la guerre aura bien lieu, broyant tout et tous sur son passage. Quant à notre monde moderne, incapable de tirer les leçons du passé et surtout d’y conformer son comportement, il est toujours prêt à s’enflammer, ici ou là-bas. Giraudoux était un visionnaire et c’est, bien sûr, le principal intérêt de cette pièce. Malheureusement, tel Cassandre, il a prêché dans le désert.

Jean Giraudoux (à droite) pendant une répétition de La guerre de Troie n’aura pas lieu, avec Louis Jouvet et Valentine Tessier, en 1935. Ph. Coll. Archives Larbor.

Si vous ne connaissez pas la pièce, essayez de la voir dans un théâtre. Elle y est reprise de temps à autre, quoique de plus en plus rarement. Par ailleurs, il en existe de bons enregistrements sur le Net. Pour ma part, je n’ai pas connu la création à L’Athénée en 1935 sous la direction de Jean Vilar, et pour cause : je n’étais pas née… Ce n’est qu’une bonne vingtaine d’années plus tard que j’ai découvert ce chef-d’oeuvre au Festival d’Avignon, dans un cadre aussi sublime que l’étaient les acteurs : Pierre Vaneck en Hector, Maria Mauban en Andromaque, Christiane Minazzoli en Hélène. J’ai revu la pièce ensuite avec Annie Duperey, magnifique dans le rôle de la très belle et très dangereuse Hélène, tandis que rôdait, dans celui de Pâris, un certain Bernard Giraudeau, débutant mais déjà absolument craquant. J’ignore ce qui existe comme archives de ces distributions.

Mais lire la pièce, c’est très bien aussi et vous n’apprécierez que davantage la beauté et la noblesse du style.

Catégorie : Théâtre.

Liens : chez Flammarion (Librio à 2 euros), une chronique de Juliette Arnaud sur France Inter (4 min.), une bonne version vidéo (2,99 euros, 1 h 50) avec Francis Huster notamment.

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Du théâtre pour la rentrée : L’homme qui dormait sous mon lit

Pierre Notte, L’homme qui dormait sous mon lit, L’avant-scène théâtre, 2021

— Par Marie-Hélène Moreau

Au théâtre comme en littérature, aborder le sujet des migrants sans tomber dans le pathos et le manichéisme reste un exercice délicat. Un défi, presque. C’est celui relevé avec brio par Pierre Notte à travers cette pièce dystopique dans laquelle des citoyens perçoivent une prime pour héberger un migrant et, comble du cynisme, une surprime dans l’hypothèse où celui-ci se suiciderait, réglant ainsi discrètement le problème qu’il représente pour la société. Dénoncer le cynisme par encore plus de cynisme, il fallait oser !

Trois personnages (trois formidables interprètes) occupent la scène, chacun figurant symboliquement une entité : le migrant, la citoyenne et l’Europe. Le décor est minimaliste, la mise en scène épurée et résolument moderne, les dialogues d’une violence inouïe sous des airs anodins, entre tragédie et comédie.

Muriel Gaudin, Silvie Laguna, Clyde Yeguet
(distribution du Théâtre des Halles)

Car oui, on rit (un rire glacé, tout de même…) devant cet échange/affrontement mettant face à face une citoyenne traversée de sentiments contradictoires (appât du gain, envie de retrouver sa tranquillité mais aussi solitude et compassion) et un migrant balançant sans cesse entre espoir et désespoir, colère parfois, le tout rythmé/encadré par les interventions personnifiées d’une société confite dans ses règles et ses renoncements. On rit, mais on réfléchit, aussi, sur l’hypocrisie et l’égoïsme de ce monde qui ressemble furieusement au nôtre et sur l’impossible mais nécessaire rapprochement entre les êtres. Car c’est bien de cela dont il s’agit dans cette pièce, de rapprocher les êtres, et on en sort sans doute un peu meilleur qu’on y était entré.

Programmée au festival d’Avignon 2021 après l’annulation de l’édition 2020, “L’homme qui dormait sous mon lit” a été à juste titre saluée par de nombreuses critiques enthousiastes. Elle sera jouée au printemps prochain à Paris et sans nul doute ailleurs. Courez-y !

Catégorie : Théâtre.

Liens : présentation du texte par l’auteur ; éditions L’avant-scène théâtre.

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Du théâtre pour la rentrée : Juste la fin du monde

Jean-Luc Lagarce, Juste la fin du monde, 1990 (écriture), 2016 (édition aux Solitaires Intempestifs)

— Par Catherine Chahnazarian

Comme nombre d’artistes, Jean-Luc Lagarce a un jour appris qu’il était atteint de cette nouvelle maladie nommée SIDA et qu’il allait en mourir. C’était les années 80. Cet incroyable fléau sévissait particulièrement dans les milieux du spectacle, où la liberté sexuelle était une réalité quotidienne qui aurait dû ne faire de mal à personne. Aujourd’hui, elle sévit dans tous les milieux, elle est banalisée et on oublie d’en parler aux adolescents… Sauf que quelqu’un, du côté du ministère de l’Éducation nationale, a eu l’idée de mettre Juste la fin du monde au programme du Bac.

Le héros de la pièce se prénomme Louis. Il sait qu’il va mourir et il se dit qu’il doit aller voir sa famille — mère, frère, soeur –, pour le leur dire, lui-même. Aucune lourdeur ne vient aggraver la situation ; aucune plainte n’émane de Louis. La famille occupe toute la place, avec ces personnages bousculés par le retour de celui qui s’était éloigné. Chacun, finalement, a quelque chose à dire et la tension, palpable à chaque instant, est faite du mélange de la joie des retrouvailles, des sensibilités à fleur de peau, des contentieux et des rancunes… Louis, qui en est spectateur plus qu’acteur, nous le raconte dans un texte qui joue habilement de la temporalité.

Gaspard Ulliel, dans le film de Xavier Dolan

L’écriture du texte, calquée sur le naturel, agit comme un guide : le lecteur sait quand le personnage respire, quand il hésite, quand il achoppe sur un mot, une phrase, quand il la crache ou la murmure. Ce sont des répétitions trébuchantes et d’incessants retours à la ligne — dont j’ai d’abord pensé qu’ils allaient me déranger puis que j’ai trouvés à la fois d’un réalisme et d’une poésie formidable. Aussitôt la première lecture terminée, j’ai eu envie de recommencer.

Un très beau texte à lire, donc. Mais signalons aussi l’adaptation cinématographique de Xavier Dolan (2016), qui a été primée en France et au Canada.

Catégorie : Théâtre.

Liens : le texte aux Solitaires Intempestifs (éd° 2016); la bande annonce du film ; extrait du film (1’57 ») ; lecture en public (1h27) enregistrée au Festival d’Avignon (2007).

Post Scriptum : Je conseille toujours de ne pas lire la quatrième de couverture et celle de Juste la fin du monde aux Solitaires Intempestifs confirme qu’il faut s’en méfier : un élément important du texte y est malheureusement dévoilé.

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